‘壹’ 中国画的基础是什么啊
中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥 于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不 似之间”的感觉。中国画有着自己独特的特征，表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按 照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层 层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言， 用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意 境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方 法进行综合的运用。 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。 而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。
‘贰’ 学习国画需要什么样的基础 和材料
无论学习哪一种，素描、色彩都是基础，国画练的是笔法，素描练的是绘画基本功，国画虽然讲究的是意境，但是造型能力的要求也是很高的。
素描是属于对形体感受的一种很好的训练形式，对于把握对象的体量及其明暗关系的分析都有相当大的帮助。素描的训练是一个循序渐进的过程，从简单的几何形体到简单静物，逐步开始画一些石膏头像，然后到真人头像（头像、半身像、全身像）
练习素描对国画起的作用：
1：空间关系，也就是绘画中常说的“近实远虚”“近大远小”
2： 造型能力，在创作或者写生当中能够很好的把握型的能力。
色彩的训练也必不可少。可以从开始训练小的色稿（16开就行）训练小色稿能够更好的提高一个人在绘画当中的色彩整体把握能力。然后逐步的简单的静物到多个静物。到人像写生~~
练习色彩对国画起的作用：
1：纯度在国画中做到“近纯远灰”
补充一点还有就是明度上的关系。也就是黑白关系一定要拉开~~
速写更是必不可少的，它能过锻炼你迅速而准确的观察力，运用简练的线条，扼要地描画出对象的神态、形体、动作等。它是培养作画者敏锐的观察力和迅速把握对象特征的概括力的重要绘画手段，也是记录生活，积累创作素材的重要手段。
素描 色彩 速写3着之间有着不可分的练习。以我多年学习绘画的经验，在学习一段时间的色彩之后会多素描上也会有很大的提高。速写也是，画的多了，素描也就进步了。
书法学过了,你学国画的话,会比较得心应手,因为你大概的空白关系,章法,和对毛笔的使用方法都会比叫顺手,学得自然要比直接学国画来的快,效果好.
只是国画当中多了一些自己的东西，入“意蕴”“气息贯通”“夸张”“写意”之类的
画的多了这些都是在以后绘画国画当中逐渐慢慢领悟到的~~~
‘叁’ 学国画，怎样练好基本功
国画主要是分成两种，一种是写意，一种是工笔画，想要学好国画主要是把最基本的笔法练好，那么最重要的就是多练。所谓“书读百遍其义自见”，学国画也是这个道理。
如果说工笔最重要的是形，那么写意最重要的是神。古代做石狮子的师傅尽管手法再娴熟也很难将狮子做得惟妙惟肖，这是因为他们没有真正的观察过石狮子，所以多观察自己想要画的物体，把这个物体它最重要的特征给记住，并且在画写意的时候把这个特征给画出来，那么尽管这个手法粗糙，所画出来的形态也会和自己想要画的物体非常的相似。而如果说想要把写意学得特别好的话，还是需要多练多观察，因为虽然你心中有牡丹，但你的表达手法并不够娴熟的话，你是很难将自己心目中的牡丹画出来的。但如果说你在自己练习的时候存在疑问且很难突破的话，可以到网上寻找教学视频，多观看多模仿，这样子才能把写意的基本功打牢。
‘肆’ 学国画需要什么基础
素描是学画的基础，它里面涉及了多方面的要素，素描里有，明暗，形感，构图。但是呢！国画对形的要求并不是很严谨，学国画最重的是对墨的把握，要把握墨法，墨有五色。
刚开始学国画你要买一些国画的书来临摹，临摹一段时间，你可以去写生，然后再来临摹，这样的话进步很快，
‘伍’ 学国画入门先学画什么
素描、色彩都是基础，国画练的是笔法，素描练的是绘画基本功，国画虽然讲究的是意境，但是造型能力的要求也是很高的。
色彩的训练也必不可少。可以从开始训练小的色稿，训练小色稿能够更好的提高一个人在绘画当中的色彩整体把握能力。然后逐步的简单的静物到多个静物。
(5)国画基础是什么扩展阅读：
学习国画的方法
1、临摹。首先要选择一些自己喜欢，适合自己风格的名家画集。对于初学者还是买一些画家编的国画入门之类的书较合适。练习时就基本照着人家的构图、笔法来画。但要注意不能一味照搬，看看人家是如何构图的，一些笔法的运用如何巧妙，画的神韵在哪里等等。
2、写生。临摹到了一定水平，就可以写生了。写生就是要对客观实在的景物、人物进行刻画、创作。
‘陆’ 学习国画最基本是什么
学习国画最基本是构图。
国画从题材上分为人物、山水、花鸟三类，从表现形式上可分为工笔、写意两种。中国画讲究形式美，构图不受时间、空间的限制，也不受焦点透视的束缚，画面空白的运用独具特色。多采用散点透视法 ( 即可移动的远近法)，使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，画中的物象可以随意列置，冲破了时间与空间的局限。国画营造的空间多种多样，但其中最主要的有三种，即：全景式空间、分段式空间和分层式空间。从风格样式上看,中国画构图的基本样式是“之”字形构图(又称“S”形构图)。所谓“易”者象也,“之”字形运动就是变化,就是延续,就是转化,就是周而复始。因此,“之”字形构图是中国画中最基本的构图。
‘柒’ 国画入门先要学什么
国画一词起源于汉代，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认知。
中国画起源古代，象形字，奠基础；文与画在当初，无歧异，本是一个意思。我国夙有书画同源之说，有人认为伏羲画卦、仓颉造字，是为书画之先河。文字与画图初无歧异之分。
陶器是新石器时代的产物，陶器分黑陶、白陶和彩陶。在新石器时代重要遗址西安半坡村出土的彩陶上，画有互相追逐的鱼，跳跃的鹿。甘肃永靖出土的一件摹拟船形的陶壶，使我们如身处岸边，情景历历；还有青海大通上孙家寨发现的舞蹈彩盆上，绘有三组五人携手踏歌图，表现出青春的活力，它是研究中国画史的根源。在新石器时代的晚期，辛店和龙山诸文化遗址中，发现了我国最早的青铜器，它是器物，又是工艺美术品。常见的青铜器饰纹，有晏吞纹、云雷纹、夔纹、龙纹、虎纹等，也有用人体作为装饰的花纹。双夔合成的容谷纹，尾部多上卷，极富美观。
蹈纹彩陶盆
青铜器物上的装饰画，主题约可分为两类，一是描写贵族生活中的礼仪活动，如宴乐、射礼、表祭等；如赵固出土的《刻纹铜鉴》，集中表现了贵族生活的仪礼活动；另一类是描绘水陆攻战的图象，以山彪镇出土的《水陆攻战纹鉴》为代表。其他百花潭铜壶，故宫《宴乐铜壶》都有表现战争景象的图画。这些画幅中，有水陆交战、坚壁防守、云梯攻地等情节。还有描绘水战、陆战的阵势中，表现了冲锋击杀攻坚的细节。士兵有的执剑和戟，有的持戈和矛等，形象生动。这些艺术手法，给汉画石刻、砖刻以很大的启发和影响。
马王堆汉墓帛画
中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。春秋战国最为着名的有《御龙图》帛画。它是在丝织品上绘画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟 ，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画和风俗画成为中国画的主流，随着社会经济的逐渐稳定，文化艺术领域空前繁荣，涌现出很多热爱生活、崇尚艺术的伟大画家，历代画家们创作出了名垂千古的传世名画。
明 沈周《庐山高图》
明代绘画流派纷呈，各领风骚。明初君主通过一系列政治经济改革，为国家的统一，社会的安定和生产力的恢复发展提供了保证，至明嘉靖、万历年间，经济文化趋于繁荣昌盛，生产力水平已经达到封建社会的高峰。传统的科学技术成果逐步得以总结，并蕴含着走向近代的因素；思想文化领域灿烂繁盛，并产生新的变化。
北宋 郭熙《早春图》
明代画坛沿着元代已呈现的变化继续演变发展，文人画和风俗画绘成洪流，并形成诸多流派；山水、花鸟题材流行，人物画衰微；水墨技法不断创新，进一步丰富了笔墨表现能力；创作宗旨更强调抒写主观情趣，追求笔情墨韵。明代绘画前期，有继承元代水墨画法的文人画；宫廷“院体”绘画；由戴进、吴伟创立的“浙派”绘画。代表画家有：刘俊、倪端、商喜、谢环、李在、边景昭、吕纪、林良、戴进、吴伟、张路。明代绘画中期，苏州崛起“吴门四家”，沈周、文征明形成声势煊赫的“吴门画派”，弘扬文人画传统，唐寅、仇英兼取“院体”、文人画之长，形成新的面貌。代表画家有：周臣、沈周、文征明、唐寅、仇英、文嘉。明代绘画后期，山水画成为主流，文人写意花鸟画也迅猛发展，画坛尊吴门画派为首。代表画家有：张宏、徐渭、陈淳、篮瑛、项圣谟、吴彬、丁云鹏、陈洪绶、崔子忠、曾鲸。
明 张宏《松下闲话图》局部
自唐宋以来，画家对于国画的创新一直延续至今，在传承的基础上创新风格。到了明代群星闪烁的“吴门画派”不仅代表着明代绘画的最高水平，而且还在师古与创新的探索中，为后世开一新河。到了吴派后期，以张宏为代表的苏州画家在文人山水画方面另辟蹊径，创作出了富有生活气息的绘画作品。他们在继承吴门画派风格和特色的基础上，加以创新，并到大山里去写生，师自然造化，创作出了富有生活气息的绘画作品，在画中体现出超凡脱俗的精神境界。画面清新典雅，意境空灵清旷
国画从题材上分为人物、山水、花鸟三类，从表现形式上可分为工笔、写意两种。
中国画讲究形式美，构图不受时间、空间的限制，也不受焦点透视的束缚，画面空白的运用独具特色。多采用散点透视法 ( 即可移动的远近法)，使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，画中的物象可以随意列置，冲破了时间与空间的局限。
国画营造的空间多种多样，但其中最主要的有三种，即：全景式空间、分段式空间和分层式空间。
从风格样式上看,中国画构图的基本样式是“之”字形构图(又称“S”形构图)。所谓“易”者象也,“之”字形运动就是变化,就是延续,就是转化,就是周而复始。因此,“之”字形构图是中国画中最基本的构图,其他形式都是在此基础上变化发展而成的。
1、水平线构图法
就是将所有形象在水平线上展开。这种构图给人以庄重、严肃之感，易造成单调的感觉，但能给人平静、稳定以及开阔、宽广之感。这构图法与幼儿绘画表现特点一样，因而比较符合幼儿的视觉感受，审美习惯。构图时要注意形象的疏密变化和大小变化。
2、倾斜构图法
就是将主要形象置于一条斜线附近，使画面充满变化和动感。此种构图适宜表现体育运动、舞蹈、游戏等题材。
3、“s”线构图法
此种构图属传统构图。它与中国古代美术构图学中的“之”这构图法方向正好相反，具有强烈的动感特征，能创造成出优美而又富于变化的艺术效果。构图时，形象要大小穿插、前后摭挡、相互响应、协调统一。
4、自由式构图法
自由式构图法如同中国画里运用的散点透视构图法，自由而灵活，丰富且有变化。构图时，要体现疏密有致，大小错落和整体协调。要避免形象之间的距离相等。
5、叠层式构图法
形象层层相叠而成，没有远近之分，大小之别。在视野上无限展开，前景不挡后景，相互连接，互有穿插和对比。
‘捌’ 学习国画入门需要什么基础啊
要学色彩知识，如果有素描基础更好些，虽然国画是散点透视，它不同于西画的焦点透视，根据自己多年经验认为，画画还是必须具备造型能力的；首先要学好基础梅兰竹菊，然后再学自己想学的类别，你可以先从工笔入手，然后再学小写意大写意，最好找名适合于你的绘画大师亲自面授及指导或参加学习班，这样可以少走弯路；师傅领进门，学习靠个人；学画要具备天赋、悟性及不懈的努力，还必须耐得住寂寞；仅供参考；但愿对你有所帮助。
‘玖’ 中国画的基本知识有什么
你必须要知道的中国画的四个基本常识： 中国画的概念梳理、分类方法、工具材料、装裱品式。日常生活中大家对中国画并不陌生，多多少少都看过一些中国画，无论是古代的，还是当代的是要说出中国画这三个字到底是什么意思便颇费踌躇。
那中国画到底为什么叫做中国画呢？真正的绘画体系，我指的是纯粹的观赏性艺术概念，只有中国绘画体系和西方绘画体系，其中中国绘画体系的基础是书法，西方绘画体系的基础是素描。中国画按材质、内容、画家和技法分为四类。这同时对应了四个问题：在哪里画，画什么，谁画的，怎么画。
中国画的文房四宝，就是我们常说的：笔墨纸砚。中国画的书画形制主要有：立轴、横披、手卷、册页、成扇。中国画的由来构成了中国画的上限，中国画的分类构成了中国画的下限，而中国画的工具材料则是在中国画的左边，中国画的画幅品式在中国画的右边。这样的上下左右的多维立体结构，构成了中国画系统的基础知识体系。
(9)国画基础是什么扩展阅读：
水墨画：中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。
“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。
院体画：简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。
这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文?论“旧形式的采用”》）
‘拾’ 国画的基本功是什么
一. 笔墨运用
二. 线条质量
三. 审美素质
四. 构图能力
另采自网上的观点
一、工具：
对中国画而言，工具指“笔、墨、纸、砚、色、印”等，统称“文房四宝”。当然，文人、画工使用的工具远不止这些。尤其是古代文人把“文房四宝”看的很重要，其中自有道理。我们今天了解“文房四宝”等绘画工具，一是了解相关知识，二是更好地使用“工具”，三是养心怡情。同时“文房四宝”又具观赏性，长期于你的生活相伴，使生活具有雅致的情调，这对于一个喜欢国画的人来说“画外修养、画外工夫”非常重要。
二、技法：
技法就是表现力、绘画能力，这只能从多练中得到。从以下三个方面去努力。
1.在各种不同性能的宣纸上，熟练掌握用笔（中锋、侧锋、逆锋、散锋等）、用墨（浓、淡、干、湿、焦）、用水（恰倒好处、惜水如金）。
2.构图力求完整（包括题跋、印章），掌握各种角度的折枝画法。
3. 随时能够调动自身能量（精、气、神），投入在创作中，并长期培养绘画兴致，乐在其中。
三、读画：
多读好画可以使我们对已知的画法、画论做一个比较客观的评判与肯定，同时对我们未知的提出新的挑战。读画就是一种艺术的互动与交流，古人言：“取法乎上”，就是要读“经典”、读“好画”。中国有几千年的历史，能够流传下来的名画就是经典，也最具风格的代表性。
读画可以丛以下几个方面去参考：
1.整体气韵（即正面的精神面貌）。
2.笔墨色调（用笔用墨的方法及墨与色的关系）。
3.构图特点（主体与客体的关系、画面“平衡”的处理）。
4.主题和题跋的一致性。
5.作者的名字、创作年代或相关信息。
推荐参考书：《中国传世花鸟画》共五卷一套，内蒙古人民美术出版社出版/仿古版。
技法方面的书：《芥子园画传》清---王概 等编，浙江古籍出版社出版发行。
四、写生：
写生就是深入生活、了解自然（对象）之理、之性。理：就是自然之特性及规律。所以有“远观其势、近观其质”之说。只有对自然（对象）充分的了解并记录其特征，才能恰当地表达“对象”。同时当我们与自然（对象）接触的过程中，必然会产生创作的激情，这就是创作的源泉。自然（对象）这时便是我们精神的载体，这就是写生之理、之性的充分体现，“造化吾师也”（清---石涛语）。
当然我们所提出的基本功，因每人的不同时期的不同成绩而要求不同，艺无止境，需要不断的累积和不断的尝试。追求艺术是画家的精神享受，只有热爱它，才能持之以恒，只有持之以恒，才可能展示我们思想的火花，记录美好的人生历程。