㈠ 一般一部動漫製作決定出了要多久才出
TV動畫三到六個月，個別一年左右。
劇場版動畫製作周期則有差異，但是在日本本土上映後，一年左右才會發售BD&DVD，然後中國才能看到。
㈡ 日本動漫的發展歷史 日本動漫的製作方法
日本動漫的歷史
日本是世界動漫強國，其動漫發展的模式具有鮮明的民族特色而不失創新和吸引力。動漫是日本的重要產業鏈，在全球鮮有對手。日本動漫的發展過程大致可分為4個階段：萌芽期、探索期、成熟期、細化期。
1917—1945——萌芽期
1917年，下川凹夫攝制《芋川掠三玄關·一番之卷》，北山清太郎製作了《猿蟹合戰》，幸內純一創作了《塙凹內名刀之卷》，此三人為日本動畫的奠基人。其中，下川凹夫創作的《芋川掠三玄關·一番之卷》被公認為日本的第一部動畫片。
1933年，日本第一部有聲動畫片《力與世間女子》誕生了，它是由政岡憲三和其學生懶尾光世製作完成的。二戰期間，懶尾光世拍攝了「桃太郎」系列動畫片，鼓吹侵略，美化誇耀日本軍國主義，其中的代表作是1944年製作的《桃太郎·海上神兵》。
1946—1973探索期
1945年，日本戰敗後，反戰題材的動畫影片頗受歡迎並且影響深遠，期間的代表人物是被日本動畫界譽為「怪人」的動畫大師——大藤信郎，他於1927年拍攝了黑白版的《鯨魚》，並於1952年攝制完成了彩色版的《鯨魚》，該部動畫片成為首部獲得國際大獎的日本動畫片。大藤信郎把流傳在中國數千年的皮影戲和日本獨有的千代紙結合起來繪制動畫。大藤信郎在日本知名度極高，以他的名字命名的「大藤獎」更成為日本一流的動畫片獎項。
1974—1989成熟期
1974年，日本動畫進入了成熟期。
70年代初期，日本涌現出大批科幻機械類動畫（即Science Fiction動畫，簡稱SF類動畫）的動畫大師，代表人物有松本零士、富野由悠季、河森正治、美樹本晴彥等。其中最著名的富野由悠季是「GUNDAM」系列的創始人之一，他執導了《機動戰士GUNDAM》（1979年）等SF類動畫電影。1982年，河森正治在為《超時空要塞Macross》擔當機械設定時，開始嶄露頭角，隨後他出任導演監制了《超時空要塞》的系列劇場版動畫影片。
《魯邦三世》，也在70年代成功轉型向少年化，取得了巨大成就，TV2系列更是真正使日本觀眾把動畫與漫畫結合，開創了動漫時代，取得了從學生至成人們的一致好評，八九十年代也成功的海外進出。據統計擁有驚人的13.5億人的粉絲，被譽為日本國民級漫畫。至今已有43年歷史並仍在放送中。
同期的宮崎駿擺脫了SF類動畫風格的局限，以劇場版動畫為契點，走出了一條「宮崎駿式」的唯美、自然、清新的風格，傳達著天、地、人、神的和諧。影片的思想觸及人類心靈的深處，啟發著人對神的敬畏，對生命的思考。1984年的《風之谷》奠定了宮崎駿日本動畫宗師的地位。2001年宮崎駿攝制的《千與千尋》獲得第52屆柏林國際電影節金熊大獎和第75屆奧斯卡最佳動畫長片獎。宮崎駿在日本已成為動畫的代名詞，其成就與地位無人能及。
1990至今細化期
在20世紀90年代，日本動畫產業的進一步完善，日本動畫的種類、形式、內容、題材以及從業人員發生了明顯的細化。隨著動畫風格的多樣性，日本動畫進入細化階段。
在這一期間，日本動畫的種類豐富多樣。有以淺香守生為代表的美少女動畫，作品有《魔卡少女櫻》（1998年）、《Chobits》（2002年）、《GALAXY ANGEL》（2001年）；有以大地丙太郎為代表的搞笑動畫，作品有《邪流丸》（1998年）、《水果籃子》（2000年）；另外，押井守創作的《攻殼機動隊》（1995年），自成一種風格，以得到觀眾的認可；今敏創作的《千年女優》（2002年），採用了撲朔迷離的敘事手法，探索了一種全新的動畫表達方式。總之，日本動畫以「機器人」、「美少女」為契點，走出了一條獨特的深具自身民族特色的動畫之路。
動漫已成為日本的經濟支柱，在世界佔有重要位置。年產值230萬億日元。日本動漫產業模式完整。世界60%的動漫作品來自日本，動漫產業及其衍生產品（即廣義動漫產業）占日本GDP的比重曾超過10%，已成為日本第三大產業。同時，日本也是世界上最大的動漫產業創作輸出國。
發展階段：
「二戰」後的半個多世紀以來，漫畫在日本的社會地位及人們對它的認識在不斷變化。手冢治蟲把日本現代漫畫發展劃分為六個階段。
第一階段（二戰後的頭十年）：「玩具時代」，漫畫只是供孩子娛樂的道具。
第二階段：「清除時代」，漫畫被視為低俗淺薄的讀物。
第三階段：「點心時代「，父母和教師勉強允許孩子可以在不妨礙學習的條件下看一點漫畫。
第四階段：「主食時代」，1963年TV動畫《鐵臂阿童木》在電視上連續放映，許多家庭中的大人和孩子一起觀看，漫畫得到社會肯定。
第五階段（二十世紀70~80年代中期）：「空氣時代」，漫畫已經成為青少年生活中不可分割的一部分。
第六階段（二十世紀80年代中期以後）：「記號時代」，漫畫成為青少年之間相互溝通的記號。
日本動漫的製作方法
1、企劃，一般由監督、腳本家和製片人參與，決定做一部怎樣的動畫，大體上關於什麼，是原創還是原作改編（原作改編的話原作者也會參與）
2、腳本，顧名思義，腳本家開始寫腳本.構思劇情，先從整部劇的角度寫，然後具體到每一集每一句台詞。一部動畫的劇情可以是一個人全包辦，也可以請不同人負責不同集的故事
3、設定，從人物設定、背景設定到美術設定，為了使得後面製作時畫師畫圖時能有個基本的參考，首先需要為動畫涉及的角色、環境等進行基本的設定
4、分鏡，當拿到每集具體的台本（就是該集腳本）後，每集會由專人負責畫分鏡，分鏡就是把腳本轉化為畫面作為每集的基本框架，比如空間關系、鏡頭運動感、鏡頭時間、台詞劃分和一些無法畫出來地方的文字描述等（有時候甚至能夠指定搭配的BGM），繪制時可以不需要很精細
5、構圖（layout又稱為L/O），根據分鏡稿，首先需要進行layout，分鏡是相當比較粗糙的一個設計，那麼人物在畫面中究竟處於什麼位置、有什麼樣的動作，背景究竟該怎樣、鏡頭要如何運動，光源等等，需要有layout指示清楚。等layout檢查完畢後才能交由原畫畫前景、美術人員畫背景。因為原畫都是以CUT為單位進行作畫，所以若干不需要轉換背景的CUT都會有L/O作指示
6、原畫，即前景畫作畫，根據layout和分鏡稿，以CUT為單位（1CUT一般為一段動作），將裡面的畫面具體畫出來，可以簡單理解為整部動畫里的關鍵畫，比如轉身的畫面，原畫師可能會畫張正面、畫張轉一半、再畫張完全轉好的。（在電影里就是充當演員的角色了）
7、動畫，負責補齊兩張原畫之間的那些畫，讓整個動作和畫面流暢。日本動畫雖然說是24幀/秒，但實際上根據慣用的Limited Animation有限動畫技巧，動畫實際上一般為8幀/秒（3コマ）或者12幀/秒（2コマ）。
8、色指定，在開始上色前要為圖上的各個部分指定色彩，任何部分都不能漏過
9、上色，顧名思義，就是將畫好的圖掃描入電腦，按照色指定規定的顏色對圖逐一進行上色
6-9、背景，就是繪制背景，和原畫、動畫、上色同時進行
9、攝影，將之前畫完的人物、背景等一系列東西在電腦上進行合成，並可以添加一些攝影專有的視覺特效、打光效果、濾鏡等，現在常見的3DCG技術也是在這步合成進動畫的。
10、剪輯、錄音、合成、視頻編輯後完成（注，聲優配音過去一般在動畫出成品但未完全剪輯前進行，現在很多都在分鏡畫完後，對著掃描入電腦中的類似底稿的「ラフ原」直接配音）
㈢ 製作一部日本動漫多長時間
據我個人了解 製作動漫的時間是由質量和投資的大小決定的,少的半年左右 多的幾年以上都有 20集的動漫時間可以說很少 投資也不需要多大 半年左右應該沒問題 但是如果
投資方另有想法或者要求高的話也不一定的 這個問題你應該自己可以解決啦....下面還有一些找來的資料
不是針對你的問題 不過可以讓你有些了解
日本動畫行業發展到今天，是有很多東西值得我們國人所借鑒和學習的。看的時候請大家清醒一些，不要帶有情緒。
日本動畫製作幕後揭秘
1、策劃
2、製作經費
3、動畫前期一:腳本
4、動畫前期二:導演的工作
5、動畫前期三：分鏡圖和副導的工作
6、動畫前期四：人物設計和人物設計師的工作
7、動畫前期五：機械造型設計和背景設計的工作
8、動畫前期六：色彩設計及色彩指定的工作
9、動畫中期一：構圖,原畫和原畫指導
10、動畫中期二：動畫師
11、動畫中期三：著色/上色人員
12、動畫中期四：特效及特效人員
13、動畫中期五：攝影及攝影效果
14、動畫後期一：剪接
15、動畫後期二:音響1：配音及聲優
16、動畫後期三:音響2：音樂，效果音及合成
17、試映,宣傳,行銷
第一回 制前作業第一步的前一步
普通在進行所謂的動畫製作之前，常有一段為時不短(或有點痛苦)的「制前作業」(英文:Pre-Proction 日文:准備段階)。制前作業是指要開始製作的准備工作.但是制前的前面呢?
制前的前面是「策劃」(日文:策劃段階)
「策劃」又分為兩種。第一種是在每一年度的策劃會議里，動畫公司的老闆(英文:boss, excutive procer, 日文:社長, 策劃)或有點偉大有點發言權的製作人看到一本頗有趣又出名的漫畫或小說，覺得拍成動畫應該會蠻賺錢的，於是就打電話給代理那本被相中的漫畫或小說的代理商問問看是否拍成動畫的權利已賣出,如果沒有那就開始進行「有時長有時短有時痛苦有時快樂」的權利交涉。如果您在動畫的片頭一開始看到「原作」這兩個字大都是屬於這類型。
另外一種是動畫公司旗下的導演(英文irector,日文:監督)或動畫家們覺得自己天馬行空胡思亂想不畫畫不按時交稿作白日夢的結果拍成動畫應該頗有趣的就自己開始寫策劃書然後交給老闆過目。幸運的，策劃通過的話，就由老闆或製作人四處奔波找金主...啊，不是，贊助商來一起響應偉大的策劃。如果您在動畫的片頭看到「原案」二字大都是屬於這類型。
交涉成功或策劃通過後
讓我們先談原案企劃通過的狀況下動畫公司的下一步驟。
動畫公司基本上都沒有獨立製作動畫作品(不管是TV或OVA)的經費,因此動畫公司想要作原案作品時最重要的是提出企劃給贊助商(*1)看他們有沒有興趣投資。如果贊助商對動畫公司提出的新作品企劃沒興趣或認為此商品(*2)沒有市場價值,那麼那企劃100%不會再見天日。
相較於原案,原作(*3)的動畫企劃通常會比較容易通過贊助商那一關。因為原作基本上已有固定的顧客群(*4),贊助商們比較有心理上的保障而願意投資將原作改編成動畫而由販賣相關產品來回收投資。
那麼企劃以什麼樣的形式提出給贊助商呢?
以美國的製作公司來說,他們會先製作Pilot Film。所謂Pilot Film是指作品的精華短片,那是提出給贊助商說服他們投資時的主要利器。但是在日本,動畫公司通常沒有製作Pilot Film的經費往往是以紙張形式的企劃書或腳本呈交給贊助商。因此在制前作業之前可能腳本就已經完成了。因為越讓贊助商了解原案作品的"有趣之處"就越能打動贊助商的心而得到製作經費。
第二回 如何計算製作經費
理論上的計算程序很簡單。
假設某一家影視公司估計一部動畫作品(指一部30分鍾的DVD)可賣1,000套,再假設一張DVD賣4,000日幣,
1000套 x ￥4000 = ￥4,000,000
那4百萬日幣就是製作經費。分給各製作部門的經費通通包含在這4百萬日幣中。例如我們之後會介紹的動畫導演,人物造型設計師,分鏡圖人員,主鏡動畫師,基層動畫師,音樂設計,色稿人員,編輯人員,包裝設計...等等等等。
這樣說來,計算經費好象很簡單。但是實際上,如何估計一部動畫作品可銷售多少套那就要靠影視公司製作人的銷售經驗,動畫導演的知名度,人物造型設計師設計人物的魅力和聲優的熱門程度。這些人為因素使得估計製作經費成為一件不是簡單的事。例如某有名的導演導的動畫電影每一部都成為日本電影票房紀錄還會在國際影展中得獎,那幺贊助商給他的製作經費就會高出其它作品很多。製作經費充裕之下他就可以多加鏡頭的張數,請較有名的聲優(或演員)和音樂製作群來提高商品的知名度和宣傳效果。如果是一位沒有「業績」的新人,那幺經費就可能比較少了。因為影視公司沒有比較的基準(新人的業績)所以對這新企劃的投資會比較謹慎。
第三回 動畫前期一:腳本
從左邊的分析圖來看,我們已大致在前幾回說明了制前作業之前幾個重要的步驟。從這一回開始,我們將要開始逐一說明制前作業的流程。 如圖可見,第一個也是最重要的步驟是「腳本」。所有的人物設計(*2),機械設計(*3)和美術設計(*4)及導演均要照著腳本來構圖。因此在不管是什麼樣的企劃,腳本在製作過程中佔了相當重要的角色。
我們在第二回中提過腳本可能在企劃案階段就已經完成。那樣的情況下,企劃通過後腳本是否再度修正呢? 這要看製作人和導演的意見。在左邊的圖中可見到製作人(*5)三個大字。負責一部動畫作品成敗與否是製作人。因此,如果製作人對腳本有意見(不夠吸引人..)腳本作家(*6)就要修改腳本。當然如果導演對腳本有意見而製作人也贊同導演的意見時,腳本的修改也是必然的。再者,雖然導演不同意初步腳本而製作人認為沒有必要修改的話,腳本就不會被修改。
一般的動畫公司都沒有專屬腳本作家,大部分是請自由身分作家(這些作家們有的是作SOHO族,有的是和幾位志同道合的作家成立工作室,如有名的Studio Orphy)來寫稿。 不僱用專屬作家的原因是因為腳本並不是一年到頭都需要的部門。所以只要在有需要的時候和腳本作家簽項目契約即可。 不過少數歷史比較悠久的傳統動畫製作公司里仍然有專屬腳本作家部門。
腳本的寫作並不是一件簡單的事。不同於小說的是所有的人物動作及感情都需要以旁觀者的身分詳細描述,例如一個角色很生氣, 由於每一個人生氣的方法不同所以不僅要描述他如何生氣也要非常詳細地描述他的動作來說明角色的個性和特徵(例如:太郎火冒三丈=太郎握緊了拳頭,眼睛咪成一條線,額頭的汗如何如何的滴下,頭上的火如何冒三丈...)。 腳本特殊的寫作方式使得一位小說家有時並不能成為好的腳本作家。而好的腳本作家也不多見。
第四回 動畫前期二:導演的工作
導演是整個動畫製作群的領隊。日本動畫業界里沒有一定的基準來評斷做導演的資格。目前出名的導演們成為導演的過程都不相同,有些是從電影業界轉行,有些是從動畫師做起,也有些是腳本作家兼導演,也有些是一開始就從事導演工作。大致上來說.動畫初期時代的導演大部分是從製作管理(*2)參予動畫製作多年後升格做導演或電影業轉行開始。但隨著時代的遷移,目前大部分的動畫導演都是由動畫師開始做起。做導演的魅力在於可以自己決定作品的方向。但是由於導演決定一切,工作繁忙且作品的成敗大任也在於導演身上。因此並不是每個參予動畫製作的人最終目標在於做導演。而有心想要成為導演的人不管從什麼工作開始,只要有心,成為導演並不是困難的事。
以下為導演們實際工作的大略內容:
1、制前作業:
* 和腳本作家及製作人敲定腳本
* 分別和人物造型設計師、機械造型設計師、美術設計師開會將各設計案定稿
*製作分鏡圖(*3)(有時是副導演製作)
2、製作過程中要和副導演(*4)們談每一集的製作方向
3、制後作業:
* 和剪接師編輯影片
* 指導聲優們及音響導演製作出理想的效果
* 影像及音效合成。
4、參予所有的宣傳活動
第五回 動畫前期三：分鏡圖和副導的工作
以下為日本的分鏡圖(歐美多為橫向的表格,您可以在美國的Cartoon Network網站中的Studio Tour的「Animation」項目中略知一二)。分鏡圖簡單的來說是「以圖像呈現的腳本」。畫分鏡圖的時間靠製作日程表的不同而有長有短。平均26分鍾動畫的分鏡圖要花3個星期完成。分鏡圖不需要很正確的將人物造型畫出來,只要能讓之後的工作人員看的懂就可以了。盡管如此,分鏡圖師還是需要事先練習每一部作品人物造型和了解作品的特色才讓原畫師(*3)靠著分鏡圖正確的畫出每一集副導演所需的鏡頭。
常常可以見到分鏡圖師和副導為同一人物。理由很簡單。因為圖面的設計人(分鏡圖師)通常是最了解每一個鏡頭需要的效果和聲優演技來襯托出作品魅力的人。所以分鏡圖師大多兼副導的工作。
副導演基本上分擔導演的重擔。不管是集數較少的OVA系列或是26集的電視動畫系列,導演一個人要顧全所有的製作細節是不可能的事。因此每一部動畫系列都設了副導的位子來管理每一集的動畫製作。而導演多半負責重要的第一集及最後一集。副導的工作內容除了不負責制前的腳本,設計稿和制後的宣傳活動之外,基本和導演相同。但由於導演是整個作品的總指揮,因此在副導負責每一集的製作之前,副導所畫的分鏡圖還是要經過導演的同意後才能正式分派工作給原畫師進行製作。
第六回 動畫前期四：人物設計和人物設計師的工作
動畫製作是一個需要密切配合的團體活動。因此 一部好作品除了有好的腳本,經驗豐富的導演,當然,具有魅力的人物造型是使作品更吸引人的重要因素。在本單元的第一回我們曾解說過動畫作品有兩種-原作及原案。人物造型的設計也因此而有不同。
將原作漫畫改編成動畫時,因為人物及服飾已經定型,所以並不需要再多加設計。可是為什麼每一原作動畫還是標明了「原作人物設計」及「動畫人物設計師」呢? 第一,漫畫是靜態的作品,因為格數少所以人物的線條及服飾可以復雜來加深作品的美感及印象。但是製作動畫時,如忠於原作人物的線條會使作畫的時間加長而延長製作時間(及更多的經費),所以需要將原作人物的線條簡化。第二,漫畫人物因為不必著色,所以不必將每一線條連結。但是動畫需要著色,所以必須改良原作人物造型將所有的線條連結以便著色人員(*3)上色。第三,有一些原作漫畫人物造型並不適用於動畫作品。為了製作效率,著色上及動畫造型上的理由,原作動畫需要另外聘用動畫人物設計師。
原案動畫的人物設計是比較需要創意及困難的工作。原案人物的設計案在交給人物設計師設計時都只是文字及導演口頭上的指令(*4)。所以設計師只有靠腳本及自己繪圖的能力來憑空設計出能夠襯托出作品故事魅力並令人印象深刻的人物。此外還要考慮到製作效率的問題而不能畫出線條太復雜的人物。因此,就算資深的造型設計師也有可能花一段時間(*5)才能定稿。
制前作業的人物設計完成後的人物設計圖(請參考「冥王計劃」網站里所列出的人物造型設計)。將分發給原畫師來進行每一個鏡頭的制圖作業。一個人物的設計圖分為三種:服飾設計圖,臉部表情設計圖及局部裝飾設計圖。所有的設計通常分為正面,側面,背面,及特殊表情(生氣,悲傷或微笑等等)以便原畫師模擬。
如何成為人物設計師呢?根據AIC的資深設計師們的說法：「很簡單啊。一直練習一直畫就可以了!」...嗯...事實上不是那麼簡單。同樣的一個人物,每一個人畫出來的風格都不同,有些吸引人,有些就看來平淡無奇。實在要如同他們所說的需要一直練習和磨練才能顯出不同的風格。而且光是女性角色或只有動物畫的很好並不一定能作為動畫人物設計師。人物設計師的重要條件是要能廣泛的畫好作品指定的每一種人物,也就是說設計師的繪畫能力要很有彈性的能應付每一個作品的要求。如果能充分應付製作公司的要求,再加上自己設計的原創人物夠吸引人,就能成為眾所矚目的動畫人物設計師。
人物設計師們需要的工具可以由上的照片看出。制圖桌,鉛筆,橡皮擦和一疊白紙是最基本的配備(有點廢話...^_^;)。另外鏡子是必需配備,因為人物的動作及部位有時需要看鏡子里的自己來素描。其它的參考書籍及制圖工具完全看每個人物設計師的需求,在這里就不詳細描述了。
第七回 動畫前期五：機械造型設計和背景設計的工作
多年前還沒有專門的機械造型設計師。大多是由人物造形設計師兼任或由比較擅長電器機械之類的動畫師設計。從「宇宙戰艦大和(Space Battle Ship YAMATO)」之後到「鋼彈勇士(高達)GUNDAM」才真正定位專業機械造形設計師。
機械設計師在動畫製作上必須考慮到很多因素來設計每一部動畫要求的機械造型。第一要在平時做很多的功課以滿足接踵而來的多樣的設計要求。第二要考慮到製作的日期及進度而設計「適當」線條的機械造型。所謂「適當」線條是因為如果線條多的話，雖然機器人或宇宙船看起來很COOL, 但動畫師們畫好一個鏡頭的時間會相對加長。可是線條太少的話，機械人又看起來太簡單沒魄力,因此作設計時適當的線條是很重要的。最後是對每一個動畫世界的考察而了解並設計出能滿足導演要求的機械戰士或宇宙船。
要作為機械造型設計師的條件是必須有工業設計方面的知識及非常非常喜歡機械(例如汽車,摩托車,飛機,船...只要是金屬做的)。
背景設計師比起機械造型來歷史相當悠久，早從黑白卡通草創時代開始就有專業的背景設計師。背景設計師基本上要畫的「又好、又快、又美」。那是我在這個單元一再提到的原因，動畫製作的時間有限沒有很多時間慢慢畫，因此受歡迎的專業美術背景設計室動作都很快而且能應付緊迫的交稿日期。如何成為背景設計師呢? 這和作人物造型，機械造型師相同，要很愛畫畫而且躺著畫也能畫的很好(有點誇張,但動畫業的時間很緊湊，能夠在任何情況下一次OK的設計師雖然很少但相當受歡迎)。至於技巧或工具方面,你可以在本網站的連結頁里的背景設計公司「Corporation Kusanagi」里的「HowToPaint」專欄里找到繪制背景的所需信息。
第八回 動畫前期六：色彩設計及色彩指定的工作
所有的人物造型及機械造型設計完之後，導演及造型設計師們必須和色彩設計師共同敲定人物的色彩(頭發,各場合衣服或機器人外殼的顏色..等等)。色彩設計必須配合整篇作品的色調(背景及作品個性)來設計人物的顏色。色稿敲定之後由色彩指定人員來指定更詳細的顏色種類。
多年前還沒有使用計算機上色(*3)時，是使用水彩顏料在白紙上來進行色彩設計(如左圖)。水彩顏料的色彩多半不由各製作公司自行調色，都按顏料公司提供的色卡和現成的色彩種類來設計。不自己調色的原因很簡單，因為色彩設計之後要由著色人員們來上色，如果自己調色的話，要各上色人員調出一樣的顏色是很困難的。當然導演要求及經費允許情況下，製作公司可以要求顏料公司製作出所需的顏色再瓶裝分發給上色人員。由於顏色的種類在色彩設計過程之前已經由顏料公司指定了，因此多年前色彩設計師均兼任色彩指定人員。而許多動畫的色彩也看起來都一樣。
現在的動畫色彩設計及色彩指定都使用軟體來進行(如右圖)。各公司使用的軟體(日本較盛行的動畫專用軟體為animo和RETAS!PRO)都不同，只要是處理影像的軟體都可以進行色彩設計。要注意的是，各軟體處理色彩的方式不同因此在交付給上色人員時要指定同樣軟體來著色。也由於製作方式的數字化以及選色的自由，使得目前的色彩設定選擇范圍加大及定出更為細膩多變化的色彩。
色彩設計師和色彩指定師都由基層著色人員開始。經過一年到兩年的時間(按個人資質能力不同)升格為色彩設計師或色彩指定師。色彩設計和色彩指定人員最大的不同在色彩設計只要設定基本顏色(普通日照下的顏色,如左圖)。配色人員要另外和副導演詳細設定出其它光線下和各集所需的顏色(黃昏,夜晚,特殊光線..等等。) 作為動畫的色彩設計及色彩指定要具有影像處理色彩的知識。因為各攝影器材顯示的畫質色彩不同，不全盤了解之下作設計及指定的話,在電視屏幕上顯示的顏色會和在計算機屏幕上的效果大不相同而減少作品的魅力。因此基層的上色人員要花一年到兩年的時間熟悉實際作業過程後才能升格作色彩指定師進而成為色彩設計師。
到目前為止制前作業以大致介紹完畢,以後的單元將分次介紹製作過程中的原畫,動畫,及著色人員。
第九回 動畫中期一：構圖,原畫和原畫指導
在分鏡圖和所有的人物設計和背景備齊後，必須有人將所有的材料放在一起畫出放大的詳細分鏡圖以便後續動作。執行這項工作的是構圖人員。
您可從我們之前介紹的分鏡圖看出，分鏡圖往往只是一個草圖，交代一個畫面的大略景物。例如:在一個鏡頭里出現「小明和傑西站在運動會場中說話」，構圖人員就須按照分鏡圖的每一格的大略指示、人物造型表(例)及背景畫出人物(小明及傑西)及背景(運動會場)的詳細位置關系放大圖(如下圖1,多為A4大)。如果構圖中指示的不清楚會影響到之後的原畫作業。完成後的構圖和人物造型設計表交給原畫師們請他們開始按構圖畫出更詳細的主鏡畫面(如本文最後的原畫圖例(*4)。您可從例圖中看出小明漸漸往鏡頭方向跑近.最後完成如左邊構圖例一樣的拿著毛巾開始和傑西說話的鏡頭)。
原畫指導的存在是因為一部作品中大多聘請2到4位原畫師(依作品不同而有多有少)。每一個原畫師畫出來的人物都可能依個人的畫風不同(或繪畫功力深淺)而有些走樣。修正各原畫師們畫出的原畫稿並統一畫風使其忠於人物設計稿是原畫指導的工作。
好的原畫師及原畫指導必須對攝影鏡頭有一番研究來畫好每一格主鏡。電影可以請演員站在適當的位置擺出導演要的姿態。但動畫只能用筆畫出理想的位置和人物動作。因此能力及資質好的原畫師及原畫指導亦指能夠根據攝影及剪接的理念畫出理想的主鏡畫面(正確的人物的姿態及動作)。而據編者所知,許多資深的原畫師或原畫指導都相當熱愛電影並對電影有一番研究。
原畫師及原畫指導多從基層動畫師做起。因為升格作原畫之前必須要了解及熟悉動畫的製作過程，所以新人一進動畫公司作就從事原畫工作是不可能的。資質好又很用功的動畫人員要升格作原畫師再進而作原畫指導是很快的。資質不好又不努力的只好一直擔任基層動畫人員。
動畫是一個能力導向的行業,不管從事哪個製作部分,只要夠努力加強自己的能力一定會被周遭肯定的。
㈣ 日本動漫一集的製作周期
製作一集的時間不到一周，幾天就可以。因為日本的動漫不是全部做出來，然後一起放，而是做出來一集後就立即發行播放，聽取反饋意見，然後再指定下一集的劇情。然後再開始做下一集。所以由於製作周期的緣故，所以一個星期只能出現一集，或者幾個星期才有一集。
最狠的是高達獨角獸，一刀砍一年，一年才出來一集。。
㈤ 日本的動漫發展多少年了
日本動畫已有七十年的歷史，其可分為六個階段： 一、戰前草創期 戰前草創期--由1917年日本開始有動畫到1945年日本戰敗為止。這段時期的前期主要是以世界名著為題材，而後期則由於日本軍國主義猖獗，因此動畫題材不離宣傳、誇耀日本軍國主義的路線。如1942年的《海之神兵》即為此類。但是這也造成了戰斗、爆炸畫技的進步，這也是今日日本動畫最引以為傲的技術。 二、戰後探索期 戰後探索期--由日本戰敗到1947年為止。日本戰敗後，有些人鑒於戰爭的教訓，開始將反戰題材用在動畫上。這種題材影響深遠，直到現在還頗為流行。另外也有些人嘗試不同的動畫題材。所以這個時期的動畫題材從很有意義到很低級的題材，應有盡有。像1968年《太陽王子大冒險》就是一個成功的例子，而成為後來高水準動畫的基礎。當然也有失敗的例子。像1970年《無敵鐵金剛》就是一部典型的爛卡通，不但暴力而且劇情很差，這帶給了日本動畫不良的影響。 三、題材確定期 題材確定其(第一次動畫熱爆發)--自1974年《宇宙戰艦》上演至1982年為止。這個時期日本動畫界經過探索期，確定了動畫和卡通的分野。卡通不在我們的討論范圍內，所以我們不予置評。《宇宙戰艦》是日本動畫史上第一部超級劇情片，由松本零士負責腳本及人物(Character Design)。該片在電視上播出後，造成"松本零士旋風"。後來並有《冱屺宇宙戰艦》，《永遠的大和號》及《宇宙戰艦完結篇》等三部電影，壽命長達十年。在該片後，松本零士另有《銀河鐵道999》，《一千年女王》等受歡迎的作品。繼松本零士後，由富野由悠季原作小說改編成《機動戰士》在1979年開始上演，由於劇情結構復雜而嚴密，受到動畫迷熱烈的支持。該片後來的三部電影非常賣座。但自些以後，動畫熱逐漸消退，動畫界進入間歇期。 四、畫技突破期 畫技突破期(第二次動畫熱爆發)--自1982年《超時空要塞》(MACROSS)上演至1987年為止，該時期由於人們追求視覺享受成為風潮，因此動畫畫技力求突破。此時期之畫技突破有《超時空要塞》創新的視點快速移動效果，造成極佳的動感；《風之谷》和《天空之城》。精細寫實的背景：《機動戰士Z》和《機動戰士ZZ》的強調反光，明暗對比等，皆對後來的動畫貢獻很大。由於題材已確定，加上畫技的突破，使得佳作迭現。如1982到1984年的《超時空要塞》；1984年《風之谷》；1985、1986年《機動戰士Z GUNDAM》及《GUNDAM ZZ》；1986年《天空之城》及《亞利安》等多部好片。日本動畫發展至本時期結束時(1987年)，劇情、內容、畫技皆已達到極高的水準。於是動畫進入了成熟期。 五、路線分化期 路線分化期(成熟期)--自1987年到90年代初。動畫進入成熟期後，便出現數部佳片。如《古靈精怪》；電影《機動戰士GUNDAM-逆襲》及《王立宇宙軍》；和日本電視史上第一部以高中生以上為主要對象的文藝動畫連續劇《相聚一刻》等。其中《相聚一刻》曾獲得1988年日本動畫優秀作品排行榜第二名(該年排行第一是《聖鬥士星矢》)；另外還有《天空戰記》，《機動警察》等多部佳作(《天空戰記》曾獲得1989年動畫排行第一名)。當日本動畫發展到此後，有人認為幼年觀眾群已被忽略了四、五年，也該考慮製作年齡路線。於是自1987年後半年以來，電視上的高年齡層動畫逐漸減少，而轉向動畫電影。以致於造成目前日本電視上找不到幾部好片，而電影幾科部部精彩的情況。 六、風格創新期 風格創新期--自1993年到現在。在畫技、製作手法、構思設計方面都日趨成熟的日本動畫，開始追求風格上的創新，試圖突破原有的模式，以完善的技巧，加上超越時空的構思，帶給觀眾全新的感官沖擊。電影《攻殼機動隊》(Ghost In The Shell)完全摒棄以往動畫明快輕松的風格，陰郁百壓抑，冷酷帶有對命運的困惑，與人類雖然身處高科技社會，但卻無法擺脫不安的未來的彷徨與孤獨相呼應。